Mientras el mundo estaba de vacaciones, el diseñador barcelonés Jacek Gleba ultimaba en su estudio, Londres Água, la colección con la que cierra su etapa en Fashion East, una “incubadora” que durante más de dos décadas ha lanzado al mundo de la moda nombres como los de Simone Rocha o Jonathan Anderson. Viajamos hasta allí para ver su proceso creativo de primera mano, antes de decir adiós a esta primera etapa de su carrera como diseñador.
Cinco días antes de su show visité el estudio de Jacek Gleba; de fondo sonaba Superestrella de Aitana en ese Londres que no sabe hablar español. El cielo estaba gris y, a través de la transparencia de los ventanales, a la altura en la que nos encontrábamos, se podía ver el río Támesis y más allá el Big Ben. Pero de esas vistas es de lo que menos se percataba: se encontraba cortando y cosiendo junto a su becario el penúltimo top de la colección mientras yo intentaba saber cómo se sentía estar creando lo que iba a ser su último desfile con Fashion East.
Fundada por Lulu Kennedy con el apoyo de Old Truman Brewery, Fashion East es una incubadora de talentos emergentes que se ha encargado de descubrinos a los diseñadores de moda más brillantes del Reino Unido. De ahí han salido nombres como la gran Simone Rocha, o el que es uno de los diseñadores más reconocidos de esta generación: Jonathan Anderson. Entonces, que un diseñador español estuviera ocupando ese espacio me pareció oportuno para documentar de cerca cómo se hace, en tiempo real, una Superestrella del diseño.
Aterricé en Londres a mediados de septiembre, justo cuando la ciudad entera empezaba a moverse al ritmo de la London Fashion Week. Entre el 17 y el 21 de ese mes, las calles de Soho y Shoreditch se llenan de editoras corriendo entre showrooms, fotógrafos apostados a la salida de cada venue y ese runrún tan particular de las semanas de la moda, donde todo el mundo parece llegar tarde a alguna parte.
En medio de ese calendario cargado de nombres consagrados, Fashion East ocupa un lugar aparte: no enseña ropa que ya triunfó, enseña la que está a punto de hacerlo. Por eso su showcase, aunque dura apenas unos minutos, es de los más esperados por quienes seguimos de cerca hacia dónde va la moda británica.
«Al principio, la novedad de hacer el desfile se mezcla un poco con el proceso de confeccionar las prendas, pero ahora me siento tranquilo y más capaz de verlas por lo que son», cuenta. «Hace un año, cuando hice mi primera pasarela, estaba nerviosísimo. De repente estaba teniendo esta oportunidad, pero no sabía cómo las cosas funcionan en la industria y me invadía esa pregunta de si sería capaz. Ya es mi tercera vez haciéndolo, entonces conozco mi ritmo de trabajo. Esta temporada me lo he pasado bien. Después de hacer tantas prendas empiezas a pensar menos en el proceso; todo sale más natural. Como dice Rick Owens: «no importa todos los sketches y collages que hagas, la única forma de desarrollar un lenguaje de moda es haciendo prendas·».
Entrar en el universo de Gleba es como entrar en un mundo idílico: las personas nacen sin género, visten sus sentimientos. Hay un baile en sus prendas que podría imitar el movimiento de las ramas frente a una corriente de aire. Hay mucha belleza, pero esa belleza no es física, sino que está llena de sensibilidad.
En un momento le pregunté cuál es la pieza de la colección que más lo identifica, porque él no diseña pensando en terceros; disfruta el acto de vestir. Me respondió que era la camisa verdosa con apertura en el hombro y en la cintura.
La musa de esa prenda fue el jersey de lana fina, holgado y con escote en el hombro que llevaba puesto en ese instante: «cuando me pongo esto me siento poético, la existencia se vuelve más poética».
La danza podría ser el elemento más reconocible en la moda de Gleba. En el pasado este diseñador barcelonés se dedicaba a bailar, por lo que es algo implícito en su ropa. Hay fluidez en las prendas, que exponen unas partes del cuerpo y tapan otras. También cambian cuando la persona se mueve en ellas. Sin embargo, su miedo más profundo es encasillarse en un solo estilo.
Su primera colección con Fashion East estuvo más arraigada al movimiento de las prendas y a infiltrar en la cotidianidad el sportswear. Su segunda temporada tuvo que ver con la teatralidad. En esta última pasarela buscó crear algo que estuviera más conectado con el mundo. Su forma de trabajar consiste en modelar en 3D cada pieza, entonces en este último trabajo el ballet se integró en el interior de la prenda, en tratar de encontrar circulación en cada una de ellas.
Cuando le pregunté por el concepto de la colección me contó que esta vez no quiso inspirarse en algo que tuviera un universo muy marcado, para permitirse ser más ecléctico; quería transitar del estudiante de diseño al diseñador en marcha. «En la academia todo tiene que tener un concepto, en cambio, como diseñador en la industria, lo que haces es reunir puntos de vista culturales de cine, libros, arte y teatro. Ves algo que es la conexión de todos esos proyectos y tomas inspiración de ello», explica.
En este caso, las vacaciones fueron el tema central. Todo empezó a tomar forma a partir de la novela In Youth Is Pleasure, de Denton Welch, de 1945, que había leído hace un par de años. Trata de un chico de 15 años de Reino Unido que sale a veranear al campo con su familia, un personaje en una etapa en la que la curiosidad lo invade, que está hambriento de descubrir el mundo de afuera y encontrar belleza en ello.
Este libro le ayudó a construir la paleta de color de la colección, por eso hay tanto verde y azul en las prendas: quería evocar el olor a grama, al cloro de las piscinas, y de repente, introducir un amarillo o un naranja, porque las tonalidades cítricas hacen parte de ese universo tan fresco que es muy de su marca.
La novela también es muy descriptiva respecto al vestuario que los personajes llevan. Ropa holgada, vestidos de pijama, bañadores y tal vez ahí podríamos ver la inspiración directa de los dos shorts que diseñó, pero les introduce encaje, porque es otro material importante en la ropa del libro. Otro elemento que influyó en los colores fueron las pinturas de piscinas de Hurvin Anderson.
Todo empezó a tomar forma, no obstante, a partir de un cartel de promoción de la obra Água, de Pina Bausch, de 1997, donde se ve a un hombre con una camisa que le flota por su cuerpo: «yo la vi y dije: “hay que hacer una camisa”, así usé una que había comprado en una tienda de caridad. La corté, probé por aquí y por allá, intenté diferentes formas de cuello, quité, añadí y moldeé hasta llegar a la forma que quise para después sacar el patrón». Habla de la prenda que dio inicio a la colección: la camisa azul clara de cuadros.
Los pantalones que aparecen en el desfile tienen su referente histórico. Me contó la historia que había leído en un libro hace un año, donde la popularización de la playa permitió que las mujeres llevasen pantalones. A principios del siglo XX no existía la actividad social de pasar el día en el mar. Como era una nueva actividad humana, la gente no sabía qué vestir; aún no existía el manual de vestuario para este ocio. Así que las mujeres, por comodidad, comenzaron a colocarse los pijamas de sus maridos, y de ahí surgieron los beach pyjamas. Entonces, esta idea de las mujeres con pantalón en la playa empezó a normalizar la imagen visual de la mujer en pantalón.
La textura es algo nuevo que introduce esta vez. Aparecieron encajes en chaquetas deportivas, denim lavado de manera sostenible en colaboración con Jeanologia, lentejuelas deadstock, la pana como sensación aterciopelada y, nuevamente, la seda, el nylon de biomaterial hecho con residuos orgánicos y su fibra favorita, la viscosa.
En una conversación que tuvimos el año pasado, me contó que su objetivo como diseñador era crear prendas arquetípicas, pero con su toque, porque, como persona dedicada a crear ropa, no puedes repetir siempre lo mismo. Hay algo muy de Gleba en mezclar tejidos dentro de una misma pieza: utiliza uno que cumple su función estructural, pero le cose al lado otro más suelto para aportar movimiento y ornamentación.
La apertura también es algo muy recurrente, porque el cuerpo se convierte en parte de la prenda. Es su forma de escoger lo que enseña y lo que oculta. Le gusta que los hombros, las caderas y los puntos de flexión, como los codos y las rodillas, queden expuestos.
Su ropa es la representación material de su personalidad. Él es suave al hablar, pero sus palabras están llenas de conocimiento y claridad. Hay ligereza en cómo articula el movimiento en su cuerpo, algo muy poético de su parte. En el rato que pude pasar con él, me percaté de cómo la ropa invade la mayoría de sus pensamientos y de lo mucho que disfruta hacer lo que hace. Una característica muy particular de aquellos diseñadores que nacieron para que el diseño sea el centro de su vida.
Después de todas las referencias que me dio de su colección, me confesó lo mucho que extrañaba su Barcelona natal y estar de vacaciones. Así que evocar esa sensación en algo a lo que iba a dedicar la mayoría de su tiempo fue su forma de sentirse como si estuviera en un destino súper estereotípico para veranear.
El mood del desfile estuvo permeado por recrear cómo la vida se siente y se mueve de forma desenfadada en la capital catalana: caminar, encontrarse con la gente en las terrazas, los bares abiertos y llenos.
La selección de los modelos fue otra forma de proyectarse a sí mismo. El line-up estuvo compuesto por una belleza silenciosa, alejada de cualquier idea convencional de atractivo. El maquillaje fue creado por Carly Utting, quien quiso recrear ese momento en que la piel parece besada por el sol después de haber pasado todo un día en el mar. El peinado estuvo a cargo de Lachlan Mackie, quien evocó la naturalidad del cabello durante las vacaciones: pelos con frizz, coletas medio recogidas y la libertad de ir despeinado cuando la vida puede andar más lenta.
Empezamos nuestra conversación hablando de la sensación de estar a tan pocos días del show, pero ¿qué siente alguien cuando sabe que está haciendo las cosas por última vez, al menos en este programa?
«Justo hace dos días lo pensaba. Me va a dar mucha pena que se acabe esta colección porque me ha gustado mucho hacerla y realmente no sé cuándo y cómo lo seguiré haciendo», confiesa. «Hay un programa que se llama NEWGEN, organizado por el British Fashion Council, que te ayuda durante tres años a realizar tu propio desfile a tu nombre. Ahora mismo me siento graduado». Y añade: «Hubo un proceso de aprendizaje de la industria: cómo se maneja el sistema, los calendarios, un equipo y la introspección. Pero me siento muy satisfecho porque estuve muy presente y aproveché el tiempo».
Cuando conocí por primera vez a Jacek Gleba, me reveló que en un principio decidió estudiar Relaciones Públicas por miedo a no ser lo suficientemente bueno como diseñador. Ha pasado más de un año desde aquella conversación y no encontré ni una partícula de aquel miedo que me había confesado. Esta vez vi a una persona curiosa por el mundo y por la belleza, algo que está muy conectado con su trabajo, impulsarse a salir, moverse, descubrir y descubrirse.
«De pequeño mi madre me dijo que cuando viera un vilano flotando lo atrapara, pidiera un deseo y lo soltara. Ese impulso de desear, salir al exterior, es lo que mueve un poco la colección, porque está relacionada con querer algo e irlo a buscar. Y mi deseo es ese: permitirme hacerlo cuanto más tiempo posible».
